Composição na fotografia de fauna: como enquadrar fotos de animais que funcionam

Dois fotógrafos estão no mesmo lago, sob a mesma luz, diante da mesma garça. Um volta para casa com um registro qualquer — uma ave nítida, bem no centro, contra uma margem carregada de juncos, aquele tipo de quadro que você passa direto ao rolar a tela. O outro fica deitado de barriga na lama, espera a garça virar a cabeça e volta para casa com uma fotografia em que as pessoas param. O mesmo equipamento. A mesma ave. A diferença é a composição — o conjunto de decisões sobre onde o animal fica dentro do quadro, o que o cerca e sobre o que a imagem realmente fala.

Eis a versão curta e honesta, a resposta a como compor fotos de fauna antes de entrarmos no porquê. Chegue à altura dos olhos do animal. Mantenha o olho impecavelmente nítido e faça contato visual sempre que o animal permitir. Puxe o sujeito para fora do centro e deixe mais espaço na direção para onde ele olha ou se move. Cace um fundo limpo, que não distraia, mudando a sua posição, não apenas a abertura. E decida, todas as vezes, se você está fazendo um retrato fechado ou uma foto mais aberta que coloca o animal em seu mundo. Quase todo o resto é refinamento.

Uma coisa para guardar desde o começo: são diretrizes, não leis. Praticamente todo profissional em atividade que ensina composição diz o mesmo com suas próprias palavras — aprenda as regras para saber quando quebrá-las melhora a imagem. Vamos tratá-las assim.

Mesmo equipamento, mesma ave — a fotografia em que as pessoas param é aquela em que cada decisão sobre o quadro foi tomada de propósito.

A composição é a decisão que o equipamento não pode tomar por você

Reduza a composição ao essencial e ela é simples: é como os elementos de um quadro estão arranjados e como você conduz o olhar do espectador por eles. Corpos caros e lentes longas garantem um animal nítido e bem exposto. Eles não decidem onde esse animal fica no retângulo, o que está atrás dele nem se a imagem tem algo a dizer. “Um olhar criativo e observador é a chave”, como coloca um guia de fauna — e esse olhar é treinável.

O modelo mental mais útil que já vi vem do fotógrafo de aves Peter Ismert: toda boa fotografia equilibra ordem e tensão. Ordem em excesso — um único sujeito, bem no centro, fundo liso — e a imagem fica limpa, mas sem graça. Tensão em excesso — um quadro abarrotado de elementos que competem entre si — e vira caos. O ponto ideal ele chama de “dinamicamente simplista”: simples o bastante para ser lido na hora, com tensão só o suficiente para prender você. A maior parte das técnicas abaixo é, na verdade, apenas um jeito de ajustar esse equilíbrio para mais ou para menos.

E composição é, na maior parte, uma habilidade de campo, não um resgate que você faz depois. O recorte é uma ferramenta de verdade para o acabamento final — aparar uma borda que distrai, fechar mais o quadro —, mas ele joga pixels fora e é um substituto ruim para acertar pelo visor. “A composição em campo faz você pensar antes de apertar o botão do obturador”, como diz um fotógrafo de aves, e é essa disciplina que aprimora o seu olhar.

A regra dos terços, e por que você para de pensar nela

Se você já leu uma dica de composição, foi a regra dos terços. Divida o quadro em nove partes iguais com duas linhas horizontais e duas verticais, e posicione o sujeito — ou, no caso de um animal, o seu olho — sobre uma dessas linhas ou onde elas se cruzam. Não é mágica e mal chega a ser uma regra. O que ela faz costuma ser mais bem descrito do que costuma ser explicado: ela cria “uma sensação de equilíbrio — sem deixar a imagem estática demais — e uma sensação de complexidade — sem deixar a imagem carregada demais”.

O ganho prático é que ela quebra o reflexo de iniciante de centralizar tudo. “Um sujeito centralizado com o mesmo espaço de cada lado parece perdido”, e puxa o olhar para o espaço morto em vez de para o animal. Pior: centralizar tudo faz todas as suas fotos ficarem iguais. Puxar o animal para um dos lados dá direção ao quadro — uma ave posicionada no terço esquerdo é lida como se pudesse alçar voo para a direita a qualquer segundo.

Mas a regra dos terços é um ponto de partida que você supera. Siga-a à risca e “as suas imagens de fauna podem rapidamente ficar entediantes e previsíveis”. Muitos profissionais posicionam o sujeito um pouco mais perto do centro do que a interseção rígida, dependendo do fundo e do animal. A grade é uma rodinha de apoio para o seu olhar — útil até o posicionamento virar instinto, e depois quase sempre ignorada.

A regra dos terços é uma rodinha de apoio para o seu olhar: útil até o posicionamento virar instinto, e depois quase sempre ignorada.

O olho, o olho nítido e a conexão

Somos programados para olhar para olhos — de um animal ou de uma pessoa. É o primeiro lugar onde a atenção do espectador pousa, e “o espectador da sua imagem perde o interesse imediatamente se os olhos estiverem fora de foco”. Então o olho precisa estar criticamente nítido, todas as vezes. Não “aceitavelmente” nítido — nítido de cortar. Steve Perry, que é quase o mais exigente que um fotógrafo de fauna consegue ser, quer olhos “tão nítidos que eu consiga distinguir os capilarezinhos”.

Eis a técnica mais útil de todo este texto, e quase ninguém faz de início. O erro comum é jogar o ponto de foco central sobre o olho e disparar — o que deixa uma pilha de espaço morto acima do animal e corta o corpo dele embaixo, obrigando a um recorte corretivo. A solução é inverter a ordem: componha primeiro o quadro que você quer e só depois mova o ponto de foco ativo para o olho. Câmeras modernas com dezenas de pontos, ou com detecção de olhos em quadro cheio, deixam isso fácil; você deixa de permitir que o ponto de foco dite a sua composição e passa a fazê-lo servir a você.

Algumas anotações de campo que salvam quadros:

• Cuidado com a profundidade de campo no rosto. Quando um animal olha direto para você, ou tem focinho ou bico longos, o nariz ou o bico pode ficar fora de foco enquanto o olho está nítido. Fechar a abertura para algo em torno de f/11–f/13 traz todo o rosto para o foco; como alternativa, mantenha tudo raso e deixe só os olhos nítidos — a imagem ainda funciona, desde que eles estejam definidos.
• Um animal virado de costas ainda pode funcionar — se o olho estiver nítido. Mesmo quando o animal não está olhando para você, aquele olho visível tem de estar impecavelmente nítido, ou o quadro desmorona.
• O contato visual é um presente, não uma garantia. Quando o animal de fato olha para a lente, isso “cria uma emoção profundamente conectada… você é puxado para dentro dela como um ímã”. Você raramente pode pedir por isso. Então acerte a sua exposição em quadros de teste enquanto ainda está a distância e depois se aproxime em silêncio, para estar pronto quando o momento chegar.

Onde você posiciona esse olho é, por si só, uma escolha de composição. Quando um animal olha direto para a lente, colocar os olhos um pouco acima da linha central, com o mesmo espaço à esquerda e à direita, faz parecer que você e o sujeito estão se encontrando como iguais; colocar os olhos mais no alto do quadro faz o espectador sentir que está olhando para cima, na direção do animal, o que é lido como dominância.

Espaço à frente: dê ao animal algum lugar para onde olhar

Este é o que separa na hora um fotógrafo que pensa de quem só clica. Se um animal está olhando, andando ou voando em uma direção, deixe mais espaço à frente dele do que atrás. Enquadre uma ave voando da esquerda para a direita colada na borda direita e ela parece prestes a se chocar contra o quadro; dê espaço à frente e ela está voando para dentro da imagem, com algum lugar aonde ir.

O motivo de isso funcionar é que o olhar do espectador segue o olhar do sujeito. Nós olhamos para onde o animal olha. Então uma raposa à esquerda do quadro olhando para a esquerda conduz o seu olhar para fora da imagem; a mesma raposa olhando para a direita puxa você de volta para dentro dela. O espaço na direção do olhar deixa o espectador “imaginar o resto da cena” — a presa que ela observa, o poleiro que está prestes a deixar.

Como toda diretriz aqui, ela tem uma exceção deliberada. Às vezes você corta o espaço à frente de propósito para contar outra história — um fotógrafo enquadrou uma garça com menos espaço à frente justamente para dizer que a ave tinha acabado de alçar voo, “deixando a pedra para trás”. A questão não é “sempre deixe espaço à frente”. É: decida o que aquele espaço está fazendo.

Nós olhamos para onde o animal olha — então deixe espaço na direção do olhar, e o olhar do espectador segue o animal para dentro do quadro.

Fique baixo: a mudança de altura dos olhos que muda tudo

Se eu pudesse fazer todo novo fotógrafo de fauna mudar um hábito, seria este: pare de fotografar de cima. A maioria dos animais é mais baixa do que você, então o padrão preguiçoso é apontar a lente para baixo, da altura em que você está de pé — e isso silenciosamente arruína fotografias de três maneiras distintas. Desça até o nível do animal e você conserta as três de uma vez.

Muda a leitura emocional. Fotografar um animal de cima “cria uma sensação de superioridade na imagem” e faz o sujeito parecer pequeno e vulnerável; chegar ao nível dele “ajuda a colocar você no mundo dele”. Um ponto de vista baixo dá ao sujeito importância e uma conexão mais forte com o espectador — o mesmo polvo parece fraco fotografado de cima e poderoso quando registrado do seu próprio nível.

Corrige o seu plano de foco. Na altura dos olhos, o seu sensor fica paralelo ao plano mais importante do sujeito — os olhos e a maior parte possível do corpo —, então tudo cai à mesma distância e permanece nítido. Como coloca Steve Berardi, “em toda foto, existe na verdade apenas um plano de nitidez completa”, e a altura dos olhos é como você o gasta com sabedoria.

Limpa o fundo de graça. Fotografe de cima e o fundo é o chão logo atrás do animal — perto demais para desfocar, cheio de bagunça. Fique baixo e o fundo passa a ser o que quer que esteja longe atrás do sujeito, algo fácil de jogar para fora de foco. Há geometria de verdade aqui: em pé sobre um sujeito baixo, a sua linha de visão “cai logo depois do sujeito”, então o fundo está bem ali; desça até o nível dele e a sua linha de visão passa além do animal, de modo que “o fundo teórico cai quase até o infinito”, e você pode até deslocar-se para o lado para escolher um cenário mais limpo.

Sim, isso significa deitar na terra. “Você não vai conseguir uma imagem incrível mantendo a roupa limpa”, como diz sem rodeios um profissional da National Geographic — às vezes você rasteja na lama e se preocupa com a lavanderia depois. Quando você realmente não consegue ficar baixo — um animal no alto de uma árvore, uma ave em um penhasco —, afastar-se bastante achata o ângulo e deixa você mais perto da altura dos olhos do que ficar bem embaixo dele deixaria. E faça uma foto de segurança em pé antes de se abaixar, porque o movimento de descer pode ser justamente o que espanta o animal.

Fundos: ganhe-os com os pés, não com a abertura

Pergunte a fotógrafos de fauna experientes o que faz ou destrói uma foto e um número surpreendente diz a mesma coisa: o fundo. “Por mais meticuloso que se seja ao compor um sujeito perfeito, se o fundo não for tratado com o mesmo cuidado, o resultado final não terá sucesso”. O desastre clássico é o galho ou o poste crescendo da cabeça do animal — mas as distrações muitas vezes são mais sutis: uma mancha clara estourada, uma linha dura, um risco de luz entre as árvores.

O instinto é consertar fundos com uma abertura ampla e uma lente longa, borrando tudo até virar pasta. Isso faz parte, mas não é o cerne. O movimento de verdade é a posição. “Na maioria dos casos, o fotógrafo encontrou o ângulo que fez essa harmonia funcionar, em vez de topar com ele por acaso”, e “com frequência, um pequeno deslocamento da posição da câmera de apenas alguns centímetros” transforma um fundo caótico em um fundo limpo. Vá para a esquerda, vá para a direita, suba ou abaixe o tripé e observe o fundo mudar atrás do animal antes mesmo de você tocar em qualquer ajuste.

Vale conhecer a mecânica que deixa um fundo suave, porque ela diz onde você deve ficar. Duas distâncias fazem a maior parte do trabalho: quão perto você está do sujeito e quão longe o sujeito está do seu fundo. Acerte uma delas e a outra importa menos — se você está bem perto da ave, ela mal precisa estar longe do fundo; se você não consegue chegar perto, precisa de muito mais distância atrás dela. O ângulo também importa: mesmo com um fundo limpo e distante, fotografar um animal de cima colapsa a separação, porque a única coisa atrás dele é o chão a poucos metros. Ficar mais baixo “aumenta a separação drasticamente”.

Uma lista de conferência de campo que não custa nada:

• Percorra o quadro inteiro, especialmente as bordas, antes de disparar. Quando você preenche o quadro, é fácil fixar no sujeito e não perceber o que se esgueira para os cantos.
• Use distância e distância focal de propósito. Uma lente de 50 mm capta cerca de quatro vezes a área de fundo de uma de 200 mm à mesma distância do sujeito — uma lente mais longa simplesmente mostra menos fundo para dar errado, e lhe dá mais distância de trabalho, para você não sufocar o animal.
• Deixe o tempo ajudar. Neblina, névoa e chuva lavam o fundo em um borrão limpo de tom e escondem a bagunça que um dia claro mostraria; um fotógrafo espera a névoa do mar para fazer penhascos que distraem desaparecerem atrás de um papagaio-do-mar.
• Se você não consegue consertar, feche o quadro. Quando nenhum ângulo lhe dá um fundo limpo, preencha o quadro com o animal, de modo que o fundo mal exista.

Espaço negativo: quando o vazio é a questão

O espaço negativo é tudo no quadro que não é o sujeito — o céu, a água, o chão fora de foco, o “fôlego” visual em torno do animal. Não é uma área morta que você deixou de preencher. Bem usado, é uma das ferramentas mais poderosas que você tem, e o argumento a favor dele vai muito além da fotografia: no design e no cinema, é o vazio deliberado que simplifica uma imagem, dá ao olhar um lugar para descansar e torna a única coisa no quadro impossível de ignorar.

Três funções que o espaço negativo cumpre em um quadro de fauna:

Faz o sujeito se destacar. Cerque um animal pequeno de vazio e o olhar não tem para onde mais ir. A imagem que o fotógrafo Romanas Naryškin usa para isso é perfeita: entregue a alguém uma folha branca com um único pingo de tinta, e “o que você vai notar na hora? O pingo de tinta” — e de repente esse pingo tem uma história. Contra a intuição, à medida que o sujeito fica menor no quadro, a curiosidade do espectador muitas vezes cresce.

Transmite escala e clima. Um animal solitário empequenecido por um hábitat vazio é lido como solidão, imensidão ou vulnerabilidade de um jeito que um close que preenche o quadro nunca consegue. Um papagaio-do-mar contra o céu e o mar abertos deixa de ser “um registro qualquer de um papagaio-do-mar” e passa a levantar perguntas — de onde ele veio, para onde vai.

Equilibra a imagem. O espaço negativo tem peso visual, e você pode usá-lo para contrabalançar o sujeito. A relação não é de um para um: “muito espaço negativo pode equilibrar apenas um pouco de espaço positivo”, porque o sujeito é poderoso e o vazio é silencioso. Alguns fotógrafos mantêm em mente uma proporção aproximada de duas partes de vazio para uma parte de sujeito — útil como diretriz, não como regra. Só garanta que o vazio esteja merecendo o seu lugar: uma grande área em branco sem propósito é uma fraqueza, mas o mesmo espaço “produzindo uma sensação de lugar ou criando um clima” é uma força.

O espaço negativo não é a área que você deixou de preencher — é o silêncio que torna o sujeito impossível de ignorar.

Linhas, enquadramento e a regra dos ímpares

Um punhado de ferramentas de apoio, cada uma merecendo um momento.

As linhas condutoras são qualquer coisa na cena que guie o olhar até o sujeito — a curva de um rio, um tronco caído, uma cerca, o caminho por onde um animal anda. Elas geralmente vão do primeiro plano para dentro do quadro e devem apontar para o sujeito; uma linha que conduz para longe do animal joga contra você. Elas também podem vir dos próprios animais: uma fileira de trombas de elefante contra o céu, ou animais fora de foco diminuindo de tamanho, pode formar uma seta natural até o seu sujeito principal. Linhas horizontais transmitem calma, linhas verticais acrescentam tensão, e curvas “acrescentam magia” e fluidez. Uma ressalva que vale lembrar: evite uma linha óbvia que corra bem atrás da cabeça do animal, o que confunde a sua silhueta.

O enquadramento natural usa elementos da cena — galhos pendentes, folhagem, uma brecha no capim — para cercar o sujeito, acrescentando profundidade e empurrando a atenção para dentro. Fotografar através de um primeiro plano fora de foco faz dupla função: enquadra o animal e esconde distrações. O fotógrafo Kevin Morgans constrói uma “pasta” de primeiro plano fotografando baixo, através da vegetação, com abertura ampla, e certa vez ergueu um monte de neve entre ele e uma lebre em repouso só para borrar uma urze escura que distraía à frente dela.

A regra dos ímpares diz que um grupo é lido melhor com um número ímpar de sujeitos — três, cinco ou sete, em vez de dois ou quatro. O motivo é elegante: diante de um número par, o nosso cérebro os agrupa em pares certinhos, mas um número ímpar resiste ao agrupamento, então o olhar se demora e um elemento tende a dominar. Com fauna você raramente controla a quantidade, mas às vezes pode enquadrar ou recortar para um número ímpar. E, como toda regra aqui, ela cede — você não deixa um rosto de fora de um grupo familiar só para satisfazê-la.

Cuidado com as bordas e as tangências. Uma “tangência” é quando duas formas apenas se tocam de um jeito que incomoda — uma folha de capim indo de uma pedra direto para a cabeça de uma raposa, a ponta de um chifre encostando na borda do quadro. São fáceis de não perceber no momento e óbvias na imagem final. Uma rápida varredura do visor, e um pequeno passo dos seus pés, elimina a maioria delas. A mesma varredura pega o outro erro comum: cortar patas, caudas ou pontas de asa. Quando as pernas de um animal estão escondidas atrás do capim, deixe espaço embaixo para que o espectador sinta onde estão as patas, em vez de senti-las decepadas.

Retrato ou ambiente? Decida sobre o que é a imagem

Esta é a maior bifurcação criativa na fotografia de fauna, e a competição mais prestigiada da área traça a linha com clareza. O Wildlife Photographer of the Year separa Retratos de Animais — “revelando a personalidade de um indivíduo… de um modo instigante ou memorável” — de Animais em seu Ambiente — “evocando atmosfera e uma sensação de lugar, com o hábitat como elemento central da imagem, para transmitir como um animal é parte integrante do seu ambiente”. Dois objetivos diferentes, dois modos diferentes de compor.

A sabedoria clássica de campo para trabalhar os dois é o “aproxima/afasta”. Não fotografe fechado com uma lente longa o tempo todo, diz o veterano fotógrafo da National Geographic Robert Caputo — “você precisa mostrar o ambiente deles também. O hábitat diz muita coisa.” A sua foto aberta de búfalos-africanos conta que eles vivem em grandes grupos, que a terra é seca, que eles vêm à água — contexto que um close não carrega; depois ele parte para a foto fechada para mostrar personalidade. Um enquadramento com grande-angular de um animal tolerante em um entorno atraente muitas vezes tem mais impacto do que o mesmo sujeito fotografado fechado, justamente porque mostra onde o animal pertence.

Então qual você escolhe? Muitas vezes a luz e o fundo decidem por você: boa luz sobre o animal e um fundo bagunçado pedem um retrato fechado; um fundo lindo e complementar pede que você abra mais — e, quando puder, faça os dois e escolha em casa. A pergunta decisiva não é “fechado ou aberto” no abstrato. É: o que esta fotografia está tentando dizer sobre este animal?

Quebrar as regras — de propósito

Toda diretriz deste texto merece o seu lugar, e cada uma delas existe para ser quebrada quando quebrá-la deixa a imagem mais forte. Isso não é uma contradição; é o jogo inteiro. Os profissionais são diretos quanto a isso. “A minha regra principal é que não existem regras”, diz a premiada fotógrafa de aves Carolina Fraser. “Aprenda as regras para poder decidir quando quebrá-las”. A palavra-chave é propósito: “fotografias compostas com propósito são as mais fortes”, e quebrar uma regra só funciona quando você tem um motivo.

Centralize o sujeito — o pecado capital da regra dos terços — e isso é exatamente o certo quando você quer enfatizar a simetria, confrontar o espectador ou preencher o quadro com linhas condutoras que convergem para um animal bem no centro, de frente para a lente. Enterre um sujeito minúsculo em um mar de espaço vazio e você quebrou o “preencha o quadro”, mas fez uma imagem sobre escala e solidão. Corte o espaço de olhar e você contou uma história de partida. O movimento que separa isso do desleixo é o que Christine Hauber recomenda: faça alguns quadros que sigam a regra e alguns que a quebrem, para que a escolha seja sua e você possa ver qual diz mais.

Se há uma meta-regra, é a que William Majoros oferece para aves e que se aplica a tudo: pare de “racionalizar com regras enlatadas” e deixe o seu senso visual dizer o que parece certo — o nosso cérebro é muito bom em notar quando algo está fora de equilíbrio. As diretrizes existem para treinar esse senso. Uma vez treinado, você confia nele.

Aprendendo com as imagens que vencem

Um dos jeitos mais rápidos de melhorar é estudar fotografias que funcionam e perguntar por que elas funcionam. Os premiados dizem isso o tempo todo: estude imagens, e estude pinturas também, mesmo as que não têm nada a ver com fauna, e descubra o que torna a composição forte. As definições de categoria do Wildlife Photographer of the Year funcionam como um programa de composição — retratos, animais em seu ambiente, comportamento, arte natural, fauna urbana —, cada uma um problema diferente para resolver dentro do quadro. Quando você olha para um quadro vencedor, percorra-o: onde está o olho, onde está o sujeito no retângulo, o que o fundo está fazendo, onde o fotógrafo teve de estar para conseguir aquele ângulo? Essa última pergunta — onde ele estava — responde mais do que qualquer leitura de ajustes jamais responderá.

Perguntas frequentes